DANILO ECCHER

BAROCCO

TORMENTI: INTRODUZIONE AL LIBRO BAROCCO

EDITO DA FOLIO EDITORE, BOLZANO

1998

L’arte è territorio violento del contrasto, è il volto della crisi e del dramma, lo sguardo inquieto dello sconto, tutto appare palese, nessuno traccia del subdolo mimetismo dell’agguato, nessuna effettistica sorpresa dagli esiti liberatori, la conflittualità è lì, evidente ed irritante, presuntuosa ed arrogante. Il contrasto accelera la polarità, favorisce la partigianeria e l’intima scissione di un’unitarietà improbabile, il cui ricordo accende delicati bagliori poetici e improvvise suggestioni fantastiche.

Si dichiara una struttura estetica estremamente complessa sul piano linguistico e profondamente articolata su quello tematico, da un lato la rude definizione di una superficie materica confusamente amalgamata dal collante pittorico, dall’altro lato una fabulazione barbarica magicamente evocativa e simbolica. La linea del contrasto si evidenzia subito sul crinale fra la definizione di una superficie territoriale e un’orrizzonte iconico, cioè fra l’affermarsi di una grammatica espressiva dai contorni innovativi e il ricordo di un’ immagine dal potere narrativo e rassicurante. Il baratro della superficie rappresenta dunque il primo punto di riflessione, la necessità di conferire al supporto una propria ed autonoma personalità testimonia la consapevolezza del ruolo svolto dal “campo” dell’azione pittorica. È la negazione immediata e primitiva di un’ipotetica neutralità asettica entro cui l’arte dovrebbe muoversi, è il riconoscimento consapevole di un condizionamento inevitabile che non può in alcun modo essere rimosso o negato.

Pertanto, la scena artistica risulta teatralmente ricostruita attraverso la definizione di un supporto già autonomamente carico di memorie, connotato fisicamente, ricco insomma di una personalità e di un carattere che gli consentono una “presenza” originale ed indipendente. Linguisticamente la narrazione procede per aforismi, per brevi sussulti poetici, piuttosto che nella linearità della prosa, il tratto è deciso e primitivo, il colore impastato, l’impianto compositivo risulta elementare, scarno e asciutto, tutto riconduce ad un segno espressivo, rudemente barbarico nel suo procedere nei territori di una memoria data, lungo i bordi di una superficie solidamente presente e orgogliosamente consapevole.

Con tali premesse formali l’impianto tematico, sull’opposto versante, non può che recuperare la dimensione fabulatoria di un’immagine sospesa fra l’evocazione poetica e il celtico esoterismo del simbolo. Ciò che emerge è sempre un’inquietante atmosfera narrativa che non tradisce mai la figura, anche se spesso ne subisce silenziosamente la sua dissoluzione. Appare così una sorta di ingenua visionarietà che contribuisce a determinare un’immagine che si scompone e ricompone in un rimando continuo di suggestioni e di inafferrabili ricordi. La definizione iconica si affaccia alla soglia dell’opera con sorprendente sicurezza affermando uno sviluppo narrativo dai contorni incerti ma dalla sorprendente forza emozionale. For è la rude semplicità iconografica, l’invadente vocìo cromatico oppure la fisicità materica che sottolinea le forme, ad alimentare quel sottile senso di sorpresa e di sgomento che queste immagini provocano. Un senso di inadeguatezza e di disagio che la narrazione trasmette attraverso una figurazione scomposta e disordinata, ma straordinariamente espressiva e suadente.

VALERIO DEHÒ

Testo dal libro / Essay from the book:

Arnold Mario Dall’O, Still.life,

Kunst Meran / Merano Arte, 2013

Le immagini della morte fanno capire che alla fine della vita, sono soltanto loro che rimangono. Le immagini dei morti, gli stilleben dedicati alla natura che si approssima al  declino, la contemplazione della fine, sono prove della fine dell’uomo. L’anima degli esseri viventi è la vita. Le immagini sono un prolungamento artificiale del mondo biologico, di ciò che è andato via per sempre assorbito dall’immobilità e dall’inanimato. Quello che rimane del giorno, dell’esistenza, sono appunto queste tracce labili, tremendamente serie o grottesche, forse tragiche. Arnold Mario Dall’O ha compreso che scaricare foto da internet attorno ai morti ammazzati in giro per il mondo equivaleva a continuare a pensare alla morte come traccia presso i viventi. La morte non la conosciamo veramente perché come diceva Lucrezio quando lei c’è noi non ci siamo. La possiamo solo immaginare e temere. Ma è presente in tutta l’arte occidentale come fantasma e fantasmi sono anche le immagini, secondo soprattutto la grande intuizione di Aby Warburg. Lo stesso Damien Hirst, che ha lavorato realmente in un obitorio, alla morte ha dato un senso contemporaneo, ma con L’Impossibilità fisica della morte nel pensiero di un vivente ( il famoso squalo sotto formalina) ha chiarito che stava dalla parte della filosofia occidentale.

Dall’O lavora da sempre su quelli che ho chiamato western files, sugli archivi delle immagini occidentali, sulle ricorrenze e sopravvivenze tra le culture tradizionali e quelle contemporanea. È un artista che lavora sul visivo e in questo modo scopre assonanze straordinarie e affascinanti tra i simboli. Tutto il suo lavoro ha a che vedere con la trasmigrazione simbolica (R. Wittkover) e quindi con la particolare vitalità di questi segni iconici a cambiare di significato nel corso dei secoli, attualizzandosi nelle varie epoche, ma nello stesso tempo portandosi dietro sempre qualcosa del proprio passato, della propria nascita. Anche la morte ha sùbito lo stesso processo per cui la sua rappresentazione, anche nell’epoca dei ready mades, è qualcosa di acquisito ma sempre nuovo. Arnold Mario Dall’O ha avuto l’intuizione di porre sullo stesso piano le opere che richiamano la natura morta come la si conosce da Caravaggio e i fiamminghi in poi, con le foto dei morti ignoti raccolte dal web. Sono sullo stesso piano perché l’artista opera sul piano del visivo e non del significato specifico, crea una nuova semantica  a partire dal trovato, dal già dato. E nella poetica di questo suo progetto entra anche una cosa fondamentale che è costituita dalla tecnica. La sua pittura restituisce il senso dal fare tradizionale, le sue nature morte sono un omaggio al tempo che trascorre anche da punto di vista della costruzione e della scelta tecnica. Per realizzare questi quadri Dall’O impiega giorni, ricostruendo una texturedi pixel con il pennello e quindi facendo riappropriare da parte della pittura il mondo digitale.

Operazione sofisticata, profonda che soprattutto accostata ad un progetto legato alla morte passa dalla realtà alla storia dell’arte e assume un significato profondo di una vera e propria meditatio sul limite della vita e delle cose. E se il lavoro pittorico è la struttura di questa serie di opere, non possiamo dimenticare che grande parte del lavoro di Dall’O si è sempre sviluppato sul tema degli oggetti e del distacco dalla vita. L’uso per esempio delle ossa, dei crani di cervo, simbolo non solo cristiano, ma anche rimando al bucranio (cranio di bue) michelangiolesco, decorazione ma anche immagine del trapasso, della scadenza vitale. Arnold Mario Dall’O con i suoi files sta creando un gigantesco omaggio alla simbolicità che accompagna il mondo occidentale nella sua  trasformazione e decadenza. La morte  certamente diventa in questo modo una presenza, per paradosso, ma soprattutto come traccia visiva indelebile. Lo sappiamo che quel che rimane sono le immagini, tecnologiche o meno, ma sono loro che restano e documentano l’esistenza trascorsa. Il capolavoro di Adolfo Bioy Casares L’invenzione di Morel è un romanzo, e un film, dedicato alla vita che si perpetua tramite una macchina azionata dalle maree, che ha catturato gli ultimi giorni di vita di un gruppo di persone su di un isola e li restituisce ogni giorno, sempre uguali. Morire vuol dire diventare un’immagine. Ed è curioso che proprio attraverso la piazza virtuale del web, oggi, i volti dei morti che non hanno nome, vengono mostrati per essere riconosciuti, per tentare, attraverso il loro riconoscimento, di  saldare un’identità a un volto. Così come nell’Ottocento a Parigi fu inventata la Morgue, cioè un luogo in cui i morti senza nome venivano portati ed esposti ad un possibile riconoscimento. La rete oggi attualizza quella invenzione e la sostituisce con la tecnologia del XXI secolo. Le cose cambiano per rimanere sempre uguali.

Allora il progetto di Arnold Mario Dall’O diventa un punto di vista straordinario sulla realtà attuale proprio perché riesce a cogliere questa dimensione in cui l’attualità delle forme si lega alla memoria collettiva. Still.lifeassume quindi il significato non solo di una ripresa di un genere artistico fondamentale, ma anche un gioco linguistico attraverso cui si racconta di qualcosa che è ancora vita, che non si è spento del tutto. Dall’O sa anche che l’arte ha questo strano destino, di estraniarsi sempre un pò dalla vita, di isolarsi, ma nello stesso tempo di riuscire a dare eternità al transeunte, a ciò che trascorre o si spegne. Mettendo insieme cronaca e citazione colta, cultura alta e bassa, l’artista sa che, comunque, attraverso la propria arte sta creando un universo in cui tutto ciò che si rappresenta con le sue implicazioni culturali o archetipiche, trova una collocazione. Questo progetto artistico diventa anche un’elaborazione culturale complessa perché porta sullo stesso piano il cadavere anonimo con il memento mori della pittura classica.

E in fondo è questo che chiediamo all’arte contemporanea: farci guardare al mondo attuale con occhi diversi e di collegare quello che vediamo a quello che è stato prima di noi. La morte non è un dato di fatto che la civiltà dei media amplifica e alla fine banalizza reiterandone le immagini, ma un aspetto che collega l’individuo alla collettività. Così come, e Dall’O lo racconta con le sue opere, i modi del morire, il diventare forma simbolica da parte degli esseri viventi, segna esattamente il passaggio tra natura e cultura. Tutto per noi entra in questa opposizione che si scioglie sempre a favore della seconda. Morire è un fatto culturale e per questo l’arte se n’ è appropriata. Dandole una permanenza, una sostanza di eternità che ne costituisce il superamento. Il fatto biologico viene assorbito dal cordoglio, dalla memoria, dalla visione di quello che accade dopo.

Still.life diventa allora l’indicazione di un transito, di un passaggio: dalla natura alla cultura. Quel che resta è proprio questo, non sappiamo cosa sia realmente la morte, ma la nostra cultura ci dà un significato. E se la civiltà mediatica tende a quantificare la morte, a creare iperboli matematiche di stragi e catastrofi, la pittura e l’arte in genere, ripristinano la distanza individuale, tra opera e pubblico, tra l’artista e le immagini.

Arnold Mario Dall’O con questo progetto prende ancora una volta le distanze dal mondo digitale, ma aprendosi ad esso, indagando i suoi meccanismi, cogliendo nella sua produzione infinita quegli aspetti che l’arte può riconoscere e dare un nome. Sottrae immagini  dalla simultaneità del web, però le restituisce al tempo at-traverso la tecnica lunga del saper fare, attivando la manualità come tempo e luogo del pensiero. Attraverso la dura e severa pratica della pittura o con assemblaggi meticolosi e attenti, Dall’O affronta nel suo percorso artistico il tema dei temi. La morte è vista non come scomparsa, ma come trasformazione, come dato non eludibile di cui la cultura si appropria per inserirlo in un sistema di valori  permanenti e paradossalmente, immortali.

VALERIO DEHÒ

UNTITLED

LIBRO PER LA MOSTRA UNTITLED

GALLERIA ALESSANDRO CASCIARO

2023

In the works of Arnold Dall’O, ideas and techniques are brought together in an absolute freedom of expression. It is easy to detect the hallmarks of a poetics that is oriented towards a juxtaposition of sculptural works and a decidedly conceptual style of painting. He is not an artist constrained by repetition and style, even if his works maintain patterns that can always be recognised. His expressive consciousness also leads him to be completely free, not only when he works on images that he frequently downloads from the net, but also when he turns late design pieces – chandeliers, furniture that seem to come from now forgotten catalogues and magazines – into protagonists in large paintings.

I have been following his work since the 1990s and have always thought that this freedom was based on the certainty that the use of technology had a conceptual meaning that added to the subject of the work, supported it ideologically and interacted with it semantically. Behind his technique of painting with dabs of colour, a kind of contemporary pointillism, lies this concept of time-consuming execution, as if the painting were a kind of phenomenon, something that takes place like an event, that is slowly deposited on the surface of the painting.

This is especially significant because Dall’O is revisiting the dimension of the mystery of how the images come into being and what they can mean. I emphasise the idea of “can”, as we are dealing here with a potential dimension, not a compelling, obligatory, ideological dimension: the images do not “have” to mean something in every case. In his work, and by means of a technique that does not dwell on describing details or creating works that can be superimposed on reality, the form or the image seem to emerge from out of nowhere. They give the impression of coming from a different dimension, as if it were a message sent out before time, which suddenly, almost by chance, becomes topical. This ability of his is also preserved in the installations, which are rather rare in his oeuvre as a whole, but which become a kind of epitome of a conception of art that is open to intuition, to emotion, to an involvement of the audience that goes far beyond visual shock or provocation.

The dabs of colour that coagulate on the paintings and slowly become solid images, that become surfaces that are open to their surroundings, are conceptually similar to other works, such as the spheres that roll in perfect harmony on the gallery floor, in boxes or playpens where they are collected and stored. They have a life of their own, again you don’t know where they come from, they are there and that’s that. They move, driven by an inner energy, by something that doesn’t appear, but which is there. This becomes a real ability to appear far beyond the threshold of perception, because it is thought that has to go beyond that. This balance between the visible and the invisible is one of Arnold Dall’O’s great intuitions, because his work never fully reveals itself, it remains in a continuous shadow cone beyond painting, beyond sculpture, in a conceptual dimension that, in every instance, is always based on technique, because art cannot only be a declaration of good intentions. That is why Arnold Dall’O’s art seems to be constantly waiting for a title and does not want to be encapsulated in definitions of a linguistic or a classification nature. His relationship to spoken language, including critical language, should be a non-consequential one; both should flow in parallel, without any attempts at translation.

In contrast to Paul Klee’s statement: “Art does not reproduce what is visible, but makes visible that which is not always visible”, Dall’O tries to deconstruct what is visible, to bring it closer to that threshold of invisibility that becomes a domain where emotions, ideologies and personal histories, social conditionings and behaviours mix into that mystery we carry within us which we call “memory”. He gives back to art that which has been taken from it. To mention a theme advocated by a great artist such as Gino de Dominicis: there are no words, signs, numbers, only images. The origin is an image, something that had no before, but which had an after, which persists to this day in the timescale. In 1970, in the “Lettera sull’Immortalità”, he wrote: “I think things do not exist...”, only immortality can make them true, but this can only be done within art, in its creative universe. To trace everything back to art, to dematerialise it in order to preserve it with the help of a new work, that is essentially the task of every artist. Or it should be.

Arnold Dall’O follows a line of his own, which is not a straight line like a requirement or a path already mapped out. It is open to the “intelligent chance” that is predominant in the history of twentieth-century art, beginning in 1897 with Stephane Mallarmé’s poem “A Throw of the Dice Will Never Abolish Chance”, which already heralds the twentieth century and its revolutions. Art is not necessary because it would not be free, an image does not depend on the subject, otherwise it would be photography or communication, nor does it depend on coherence, because artists have not taken religious vows and must not be committed to ideologies. Also, the narrative that art has a job to do must be refuted. Dall’O has also created paintings in which the aleatory seems like an authoritative element, his pointillism reminiscent of early Greek atomism, as proposed by Democritus, the particles approaching or receding according to attraction or repulsion, as happens with human beings. Confusion creates entropy; art shows that all this is avoidable. Arnold Dall’O’s Invisible is based on the confidence that all of this can happen and that the reality of art is always something that breaks away from truth because it cannot bear its shackles. The origin is a point. History is a straight line. It is up to us to decide which side we are on.